[Film] Killing (斬、)

02 December 2018

“Killing (斬、)”---Singapore International Film Festival

Release Year: 2018

Country: Japan

Director: Tsukamoto Shin'ya (塚本晋也)

Cast: Ikematsu Sosuke (池松壮亮), Aoi Yu (蒼井優), Tsukamoto Shin'ya (塚本晋也), Nakamura Tatsuya (中村達也)

Location I watched: National Gallery Singapore

 

Story from the programme booklet:

Swordsman Mokunoshin Tsuzuki earns a peaceful living as a labourer on a rice paddy in the outskirts of Edo, the former capital of pre-modern Japan.

Maintaining his sword skills through daily sparring with farmer’s son Ichisuke, who himself harbours dreams to serve the shogun as a samurai, Mokunoshin’s idyllic life is threatened when talk of an impending civil war reaches his remote village. When a stoic older samurai recruits him for a capital-bound task force bent on easing the civil unrest, Mokunoshin’s reluctance to kill is challenged as the surrounding violence escalates.

Film should be experienced with our body first. To be thought in our brain will be followed only after that. “Killing” directed by Tsukamoto Shin'ya manifests its truth just like his other films.

 

The setting of this film is very minimalistic. The camera stays within the area around the remote village set in the mountain. Because of that, the coming civil war or loyalty to the shogunate mentioned by the characters sound quite vague or unrealistic. The protagonist, Mokunoshin (Ikematsu Sosuke) says he wants to work for the shogun, but on the other hand, he does not want to kill anybody. He also feels that he will not die even if he goes to Edo and joins a task force. For him, death in war is still something far. Although he has quite superior sword skills, his ambivalent thinking is like any ordinary young man who wants to escape from choosing or deciding for himself. Mokunoshin’s sparring partner, Ichisuke has a sister, Yu (Aoi Yu) who secretly loves Mokunoshin. Yu simply thinks that war is scary because her loved ones may be killed. An older samurai, Sawamura Jirozaemon (Tsukamoto Shin'ya) knows that war is killing each other. He also believes that sword skills are for the cause of supporting the nation.

 

Interestingly, Sawamura comes to be haunted to defeat Mokunoshin at the end. His aim has turned into overcoming himself through the fight with Mokunoshin. On the other hand, although Makunoshin accepts Sawamura’s recruitment, he is also doubting that personal sword skills can even save a small village from a group of bandits. To kill people with a sword does not make a good solution for the village. In that case, what are his sword skills for? His challenge, a sense of duty, perplexity, fear and futility…all his ambivalent feelings collide together in his last fight with Sawamura.

 

In the end, the vague ideology about the nation is left behind and individualism is appearing. The two men fight just for themselves. The story aims for ultimate individualism. That is Tsukamoto Shin'ya’s film.

 

Tsukamoto has been describing violence, but the violence is always one and indivisible with the body’s pain. He seems to be more interested in pain caused by violence than violence itself. Feeling pain is proof that we are really alive. In “Killing”, pain seems to be more important than violence itself. Behind the personal pain, there is an individual who is struggling and distressed to live. Tsukamoto’s individualism is the opposite pole of nationalistic ideology.

 

“Killing” may be regarded as an allegory. Taken by other filmmakers, this subject potentially can produce films that are too conceptual and boring. However, Tsukamoto Shin'ya’s “Killing” is an entertainment film with full blood. How realistic and exciting it looks, when the characters are crossing swords! We experience the film with our body, via the image and sound. We experience the fear, tension and anger of the struggling individual. Then, we will think and consider.

Music and sound are quite important to characterize Tsukamoto Shin'ya’s films. They are essential for the audience to experience his films with their body. The music in “Killing” is as splendid as his other films. Unfortunately, this film is the last work of the composer, Ishikawa Chu who scored almost every Tsukamoto’s films. I only recently discovered that Ishikawa Chu has passed away at the age of 51. (2 May 2020)

『映画』Approved for Adoption（Couleur de peau: Miel/はちみつ色のユン）

2018年10月28日

「Approved for Adoption（Couleur de peau: Miel/はちみつ色のユン）」・・・Painting with Light (Festival of International Films on Art)

公開年：　2012年

製作国：　フランス、ベルギー、韓国、スイス

監督：　Jung（ユン）, Laurent Boileau（ローラン・ボアロー）

見た場所：　National Gallery Singapore

National Gallery Singapore（ナショナル・ギャラリー・シンガポール）主催による、芸術についての映画を集めた映画祭「Painting with Light」で上映。この「Approved for Adoption（原題Couleur de peau: Miel）」は、ベルギーのバンド・デシネ作家Jung（ユン）が、自らの半生をアニメーションとドキュメンタリー映像で描いた作品で、ドキュメンタリーの作り手であるLaurent Boileau（ローラン・ボアロー）との共同監督作。日本でも「はちみつ色のユン」というタイトルで公開された。

映画祭のプログラムから

冒頭、雪の積もる山間の施設から、先生のような人と一緒に歌いながら歩いてくるアジア系の子供達。一転して食堂のシーンになり、子供達がお椀に注がれたお粥を食べている。自分に与えられたお椀を食べ終わると、隣の子が食べ残していったお椀を当然のように取り上げて、ひたすら食べ続けている男の子が一人いる。この子が、この作品の主人公、ユンである。彼の境遇とどんなキャラクターの子であるのかをこの最初の数分で描き切った、非常に印象的な出だしだった。

ユンは、朝鮮戦争後、海外に養子縁組に出された20万人の孤児の一人である。彼らは米兵と韓国人の母親との間に生まれた子などで、母親が韓国社会の中で子供を育てることができずに捨てられ、海外に養子としてもらわれて行ったのである。ユンも5歳の頃、1人でソウルの通りをさ迷い歩いているところを警察に保護され、孤児院に収容された。そして、ベルギーの夫婦に引き取られて海を渡った。

映画は、アニメーションによるユンの子供時代の回想を中心に、養父母達が撮影した当時の8mm（？）映像、朝鮮戦争後の韓国の状況を説明する記録映像、そして現在、四十代のユンが、養父母に引き取られて以来初めて韓国に「帰った」時の様子を撮影した映像からなっている。

　養父母にはすでに男女合わせて四人の実子がいた。冒頭のシーンからわかるようになかなかタフな性格のユンは、しっかりした養父母の元、四人の子供達とともに、かなりやんちゃな子供としてのびのびと育っていった。しかし、その一方で時おり開かれる密かな記憶の扉があった。

人種が違うゆえにどうしても養子であることを意識せざるを得ない瞬間。街をさ迷っていた孤児の頃。そして（自分を捨てた）顔も思い出せない幻のような母。自分は愛されていたのか、そして愛されているのか。腕白坊主として振舞っているだけにいっそう、言い知れぬその悩みは深い。

　ティーンエイジャーになると、その不安はアイデンティティの揺らぎとともに、ユンの生活態度に現れるようになる。（同じアジアのせいか）日本人に憧れてみるのはまだしも、家出して教会に転がり込み、そこで韓国人たらんとして、ご飯にタバスコ（！）をかけて食べ続ける。（韓国人なら辛い物が食べられるという認識なのだ。）

　タバスコご飯で体を壊したユンを家に連れ帰り、彼の苦悩を優しく受け止めたのは、ベルギーの養母だった。その時、ユンが夢想してきた幻の母はようやく実体を持つ。最後のユンのナレーションの一部、

「人が自分にどこから来たのかと問うのなら、自分はここからで、同時に、別のどこかからなのだ。自分はアジアであり、そしてヨーロッパである。」

　どちらでもない、のではなく、どちらでもある。ユンがそこに行き着くラストは、とても感動的だった。

　ところで、ユンの養父母はさらにもう一人韓国人の女の子を養子にするのだが、養父母が体の弱いその子を特に気遣うことにやきもちを妬いたユンは、こっそり彼女をいじめる。人が悪いことだが、私はこのシーンが何となく好き。（2020年3月25日）

『パフォーマンス』0600 --- シンガポール・インターナショナル・フェスティバル・オブ・アーツ

2018年5月10日

「0600」———Singapore International Festival of Arts（SIFA）

国：　シンガポール

演出：　Zelda Tatiana Ng（ゼルダ・タティアナ・ン）

カンパニー: GroundZ-0（原。空間）

見た場所： National Gallery Singapore

　2018年のSingapore International Festival of Arts（SIFA、シンガポール国際芸術祭）で、私が見た最後のプログラムだった。GroundZ-0は俳優で演出家のZelda Tatiana Ng（ゼルダ・タティアナ・ン）が立ち上げたカンパニー。文化やジャンルの枠を越え、多様な専門的分野に関わる作品を作り出すことを目標としているらしい。と書くと、どういうことなのかあまりよくわからないが、この作品に限って言えば、寸劇と観客体験型の展示で、シンガポールの死刑制度について皆に考えてもらう、という趣向である。

　会場はNational Gallery Singapore（ナショナル・ギャラリー・シンガポール）内だった。ナショナル・ギャラリーは元々、City Hall（行政庁舎）とSupreme Court（最高裁判所）であった建物をギャラリーとして復活させたもので、ここの最高裁判所は、2005年まで実際に使用されていた。現在も法廷の一つやHolding Cells（公判中の被告を拘置する待機房）などが残されており、作品はそれらの場所を利用して「上演」された。観客体験型のため、参加者は各回20人くらいに限定されており、1回45分くらいの長さだった。

ナショナル・ギャラリーの模型。左の建物が旧最高裁判所。

　集合場所は、ナショナル・ギャラリーのSupreme Court Wing（最高裁判所翼）にある、Holding Cells（待機房）前。受付で手荷物を預けて待っていると、開始時間に看守っぽい案内人が現れる。そして看守っぽくいろいろな注意事項を告げる。携帯電話の電源は切れとか、速やかに行動しろとか、オープンマインドでアクティビティに参加しろとか。本物の看守を見たことはないが、とりあえずなんとなく怒られている感じでいろいろ言われる。

　そして最初は、スクリーンに投影されたプレゼンテーション資料を参加者全員で見る。いわく、10年間で173人（だったかな）。人口に比して世界で最も死刑率の高い国が、このシンガポールである。国民の80%が死刑制度を支持しているが、その是非は自分自身で判断しろ。この作品は全て調査に基づいて作られているのだ、という。最初看守に怒られて恐かったのに、さらにこのプレゼンの有様が恐い。それから各人に手紙が渡されるので、それを読む。それは、死刑執行の予定を死刑囚の家族に告げる内容の手紙で、なんだかますます恐くなってくる。

Prison Serviceからの手紙。
家族は死刑執行に立ち会えないが、最後の数日間に面会や
執行前の写真撮影用の衣服を送ることはできる、と書いている。
また、葬儀の手配をするようにとも。できない場合は、政府で火葬に付する。

　手紙の後、参加者はそれぞれ小さいロウソク型のライトを手にとり、看守みたいな案内人に連れられて、薄暗い待機房の並ぶ廊下を歩く。一つ目の待機房の中に、若い女性がいる。麻薬密輸の罪で死刑を宣告された18歳の女の子だ。彼女が絶望の中に語る所によれば、バンコク旅行中にある女性と知り合いになり、彼女に「プレゼント」されたスーツケースを持って入国したら、その中味が麻薬であったと。中国語で語られるが、事前に英語訳の紙を配ってくれたので、理解できた。その隣の待機房には三台のビデオモニターが設置されており、複数の人物の映像が切り替わりながら表示されている。そのうちのメインとなるのが、マレー系の女性の話。彼女は言う。息子を殺され、加害者は死刑となった。しかし、10年ほどの月日が流れた今、後悔している。なぜ自分は相手に寛恕の気持ちを持てなかったのか、なぜ謝罪する機会を与えなかったのかと。

かつての待機房

　この後、狭い階段を一列になって上がって行くのだが、その途中で、録音された検察官の談話が流れて来る。いわく、つまるところ死刑制度は必要なものである。なぜなら麻薬は多くの人々に害をなすからだ。また、死刑判決に至るまでには、多くの人が関わって様々なチェックがなされているのだ、云々。

　階段を上がると狭い廊下に出る。参加者は三人一組に分かれ、それぞれ番号の入ったシールを胸に貼られて「死刑囚」になる。そして死ぬ前にしたいこと、また最期の食事のリクエストを紙に書いて、設置されたボードに貼る。「死刑囚」の参加者達は、廊下を進みながら一人一人順番に体重を測り、写真を撮られる。そのように死刑執行を疑似体験しつつ、壁に展示されている様々な資料を見てゆく。それは実際の死刑執行の手順についてで、死刑囚は死刑執行人による説明を受けるとか、死刑囚の家族は別室で待ち、カウンセラーも待機しているとか、詳しい説明がなされている。また、死刑執行数の年次推移や、体重と死に至るまでの時間を対比した表などの資料も展示されている。ちなみに前年（2017年）の死刑執行数は3件で、全て麻薬がらみの犯罪だった。また、死に体重が関係することでわかるように、シンガポールの死刑は、日本と同じ絞首刑である。薄暗い廊下で「死刑囚」になって写真を撮られたり、死刑にまつわる資料を見たりしていると、気が滅入って恐くなるのと知的好奇心がかき立てられるのとがないまぜになる。それにしても、いろいろな資料を見た中で、死刑囚の家族に対する配慮のあることが印象的だった。ちなみに、死刑執行の日、死刑囚は午前3時に起こされる。シンガポールでは死刑の執行は金曜日の午前6時と決まっており、この作品のタイトル「0600」はそこから取られている。

　一通りの「手続き」を済ませ、いよいよ私達「死刑囚」は死刑執行室に連れていかれるのか・・・と思ってしまったのだが、あにはからんや。さらに階段を上がって行くと、広々とした絵画の展示室に出る（忘れていたが、会場はナショナル・ギャラリーだった）。現在は展示室として使用しているこの部屋は、かつて死刑宣告を行った最高裁判所の法廷であった。法廷の名残を今も留めるこの場所に、一人のインド系の青年がいて、参加者達を待っている。そしておもむろに語り始める。彼の兄は麻薬の過剰摂取で亡くなった。兄と麻薬を運んでいたという、兄の友人は死刑になった。兄は利用されただけだと、自分は信じている。だから、少なくとも彼が死刑になったことで、自分達家族はいくらか平穏を取り戻せた、と。この青年は、兄が友人に渡された麻薬で死んだと見れば被害者の家族であり、兄は麻薬の運び屋だったが、亡くなったために仲間だけが罰せられたと見れば加害者の家族である。その微妙さが興味深かった。

現在はギャラリーとして使用されているかつての法廷

この上げ蓋の下が階段になっており、かつての被告人がそうしたように私達はそこから上がって来た。

　さて、ここで「0600」は終了する。案内人はまだ案内人役を演じているのだが、「リラックスして」などと言って、急に優しくなる。いや、これまであんなに恐かったのに、今さら優しくされても。最後に、さらなる情報が得られるようにGroundZ-0のFaceBook等が案内され、また、配られたアンケート用紙に回答をした。

　旧最高裁判所という場所が上手く使われた作品。「死刑囚」になって、死刑執行前の写真撮影をされたりするので、恐い。死刑について、事件の被害者、加害者、さらには検察といった様々な視点からの意見が取り上げられており、参加者に死刑制度の是非を考えることを促している。・・・のだが、こうして執行までの様々なプロセスを少しでも体験すると、考えるよりもまず、人の命を奪うことの重みと死の恐怖を感じる。おもしろいという言い方をするとあれなのだが、観客参加型の作品として、おもしろい体験ができた。それは、人が今まで観念的にしか考えたことのない問題を、もう少し実際的な側面を持ちつつ考える契機となるべきものだったと思う。作り手側の試みが成功した作品だった。

　それにしても、私はなぜ最期の食事のリクエストで、「クリームシチューとロールパン」と書いてしまったのか。クリームシチューが大好きというわけでもないのに。最期の食事にしては、お安いメニューである。たぶん、寒い冬の夜に温かい家でシチューというイメージがあって、それが人生と家庭の安らぎを連想させるからだろう。シンガポールに冬はないのだけど。（2019年8月31日）

今回私達が辿った待機房から裏の廊下を通って法廷へというルートは、通常公開されていない
（待機房は見学できる）が、定期的にナショナル・ギャラリーがガイド・ツアーを行っている。

旧最高裁判所と旧市庁舎の建物をつないでいるロビー。
正面の窓の向こうにマリーナ・ベイ・サンズが見えている。

[Film] Fly Away Home (Maikäfer flieg)

18 May 2017

“Fly Away Home (Maikäfer flieg)”---European Union Film Festival

Release Year: 2016

Country: Austria

Director: Mirjam Unger

Cast: Zita Gaier, Ursula Strauss, Gerald Votava, Konstantin Khabenskiy

Location I watched: National Gallery Singapore

Story from the programme booklet:

Vienna 1945: The powder keg of war and the Russian occupation as seen through the innocent eyes of nine-year old Christine. Bombed out and penniless, she and her family are put up in a fancy villa in the outskirts of Vienna, a moment when class differences get amplified and all families in the house just want to survive. After the German soldiers capitulate, the Russians take over the house. Everybody is scared of the Russians, except Christine. Based on a novel by Christine Nöstlinger, the most popular children’s book author in Germany and Austria.

On the day before this screening, I saw a lady who came to the venue at the wrong time and watched “Kincsen - Bet on Revenge” instead of “Insyriated”. Now, I have made a similar mistake, too. This “Fly Away Home” started from 7pm, but I mistakenly thought the start was 7:30pm. I was near the venue at 7pm. However, thinking I was early, I was innocently eating dinner. When I saw there was nobody in the lobby of the venue, I realized my mistake. I assume that I missed the first 15 minutes or so. When I started watching the film, the protagonist, Christine and her family were already in the villa and her father has just returned to his family.

Generally, I do not like films with children or animals very much. The nine-year old protagonist, Christine is restless and selfish. She is not a likable person for me. “Fly Away Home” is describing the world seen through her eyes, so the camera movement is active like her. As she is a child, she still does not completely understand about war. However, she experiences many things.

There are some memorable scenes. Christina’s mother used to work for Mrs. von Braun, the mistress of the villa. That is why she got Mrs. von Braun’s offer and Christina’s family could stay in her villa. When Mrs. von Braun arrived with her small son later, she found Christine’s father who was hiding there. (Christina’s father is a soldier with the German Army, but he got injured and deserted from the hospital.) Then, Mrs. von Braun voluntarily started telling them how her husband had died by this war, and she did not say anything else. However, both ladies---Mrs. von Braun and Christine’s mother---looked like they understood each other. It does not matter which class people are belonging to. Everybody is suffering from war, but it is precious that we are still surviving. I think that they shared such feelings.

Christina became friends with one of Russian soldiers, Cohn who was in charge of cooking. She asked Cohn to bring her to her grandparents’ place in the town. Christina was proud that her grandmother was a brave woman. However, the grandmother that Christina saw in their apartment had become paranoid for fear of the war. It made Christina disappointed and sad. That scene is also impressive.

After bringing Christina to her grandparents’ place, Cohn was regarded as a deserter and arrested. Christina felt a sense of responsibility to that he could not return. She insisted on sleeping in his hut to wait for him. I did not like her initially, but from this scene, I began to have a good feeling for her.

Finally the Russian troops were departing from the villa. Actually Mrs. von Braun had an affair with the Major of the troops to take advantage of them. When Christina knew they were leaving, she told Mrs. von Braun that the Major would probably visit her again. However, Mrs. von Braun coolly said that she would forget him. Christina did not understand adults’ “situation”. She thought that Mrs. von Braun likes the Major and tried to comfort her. Now I felt Christina more adorable.

Friendship with a kind Russian cook, glancing at the world of adults... through many-sided experiences like a prism by a nine-year old girl, this film describes many things in the “empty” time at the end of the war; hunger, violence, changed people and unchanged family’s tie... It was terribly sorry for me to miss the first part. (5 January 2019)

[Film] Kincsem - Bet on Revenge (Kincsem)

17 May 2017

“Kincsem - Bet on Revenge (Kincsem)”---European Union Film Festival

Release Year: 2017

Country: Hungary

Director: Gabor Herendi

Cast: Ervin Nagy, Andrea Petrik, Tibor Gaspar

Location I watched: National Gallery Singapore

Story from the programme booklet:

Hungarian aristocrat and supreme horse trainer Sandor Blaskovich was accused of treason and killed by his former friend, Austrian officer Otto von Oettingen. His son, the dashing Erno Blaskovich (Ervin Nagy) has lost everything in the aftermath of the 1848-1849 Hungarian revolution, including their family castle which von Oettingen takes over forcing him to move into a labourer’s cottage. Erno’s bohemian lifestyle gets a chance of redemption in the form of Kincsem, the miraculous horse who wins every single race across Europe. Fate offers a shot at revenge, giving Erno the chance to beat his nemesis and father’s murderer, fellow horse owner von Oettingen. However, their rivalry takes an unexpected turn, when Blaskovich falls in love with Klara, von Oettingen’s daughter. Can love triumph revenge?

A man who has lost everything, seeking revenge, falling love with his enemy’s daughter... The first impression from the programme booklet story is that this is a serious film. However, “Kincsem – Bet on Revenge” is actually an enjoyable entertainment film. It is a luxurious, spectacular and light period drama without dignity which is sometimes required for period dramas.

The theme of falling in love with his enemy’s daughter might sound old-fashioned, but the film does not make it so. Erno and Klara, von Oettingen’s daughter, know each other at the beginning of the film. Erno was a hopeless horse owner who bets on other’s horses instead of his own horse. However, he met Kincsem which could not be easily tamed. When Kincsem escaped from Klara’s riding ground, Ermo accidentally chased after this horse. Then he turned to be serious for Kincsem. Eventually Ermo got Kincsem’s ownership from Klara and started to train her. In the meantime, Klara got to know Erno’s talent for horse training and paid respect to him. As the film title shows, Kincsem, the female horse is the center of the story. I like that the film does not go off the track with Kincsem’s story. The last shot in the film is of he (Erno), she (Klara) and of course, the horse, Kincsem.

Although Kincsem is a real racehorse in the 1870s, “Kincsem – Bet on Revenge” is a fictional story, I think. However, since this film is for Kincsem, the most important fact, Kincsem’s unbeaten record cannot be changed. Kincsem is so famous that a lot of audience may know her legendary record even before watching this film, 54 wins out of 54 races. In that case, how was this well-known fact developed into a story to attract the audience?

Firstly, the owner’s character is initially set as a loser. To change his life, he must win with Kincsem. That is why her debut race scene is so exciting. When Kincsem won for the first time, Erno looked as if he almost started to cry and faint before he congratulated himself on this victory. This scene was convincing and funny. Secondly, a special situation is created where the owner does not want Kincsem to win. Erno’s love for Klara, his enemy’s daughter prepares for this situation, too. This unbeaten horse must lose in this film? It makes the audience uncertain and engages them in the race, even if we know Kincsem’s real history.

By the way, when the film ended, a lady sitting next to me asked, “What time will “Insyriated” start?” “Insyriated” is another European Union Film Festival (EUFF) title, a Belgium film about a Syrian family who is desperately trying to be together in their apartment while a war rages outside. Although I have not watched this film, obviously it seems to be a serious film, a perfect opposite of “Kincsem”. I answered her that “Insyriated” is scheduled from 9 pm after “Kincsem”. Then, she said, “Alamak! I watched a wrong film!” Actually she bought a ticket for “Insyriated”, but she came at the wrong time. (For some reasons, the ticket taker did not check the film title of her ticket.) Even after the film started, she did not realize for a while that she came at the wrong time. Since some EUFF screenings show a short film before the main program, she thought that “Insyriated” would start after this “short” film. Of course, “Kincsem” is not a short film, so she noticed her mistake on the half way. But eventually she watched through “Kincsem” till the end. She said, “It’s OK, it was an enjoyable film, right?” (October 7, 2018)

[Film] Miracle (Stebuklas)

15 May 2017

“Miracle (Stebuklas)”---European Union Film Festival

Release Year: 2017

Country: Lithuania

Director: Egle Vertelyte

Cast: Egle Mikulionyte, Vyto Ruginis

Location I watched: National Gallery Singapore

Story from the programme booklet:

It is 1992 and Lithuania has shifted from communism to capitalism, leaving the small collective pig farm managed by Irena, in dire straits. She struggles to keep the farm and her workers afloat when a handsome American, Bernardas, arrives, pledging to save the struggling enterprise and turns Irena’s family life and the village’s routine upside-down. As Irena falls for his charms, she realizes that his intentions may not be entirely innocent.

In the programme booklet, “Miracle” is categorized as Drama/Comedy. But if you expected a comedy, you would be disappointed with this film. Although there are some scenes that try to make the audience laugh, basically this is not a funny film. Like Irena, the protagonist, the film is earnest. Irena’s town is going to be swallowed by the drastic change of society. She does not know what she can do, but anyway she is trying to do something to make the situation better. Then, a suspicious American man appears. The film seems to reflect those days and it is not fun.

Eventually Irena lost everything：the pig farm with the memories of her late father, the pigs, her husband and her love. However, when she lost everything, ironically she got pregnant. She was blessed with a baby despite already having given up. In the last scene of the film, she visits a church. She may have felt it a kind of revelation, but she does not pray. I do not think that she has got her faith by this incident. “Miracle” is a story about a middle-aged woman reaches the turning point of her life with society’s big change. Everything does not go well. I am not sure if Irena’s pregnancy under this situation is a joyful happening or not. However, she still tries to restart her life. She sets off alone. Even though the basic tone of the film was gray, the ending was something refreshing.

By the way, Bernardas, the American, came to Irena’s pig farm because his late mother told him there is prosperity under a maple tree located in the farm. However, the result just gave Bernardas disappointment because the “prosperity” was just a family secret related to his birth... Mother, you should have told him such an important and personal matter directly. Why did you tell him such a vague story? Didn’t you like him? (September 21, 2018)

[Film] Tulipani: Love, Honour and a Bicycle (Tulipani: Liefde, Eer en een Fiets)

12 May 2018

“Tulipani: Love, Honour and a Bicycle (Tulipani: Liefde, Eer en een Fiets)”---European Union Film Festival

Release Year: 2017

Country: The Netherlands

Director: Mike van Diem

Cast: Ksenia Solo, Gijs Naber

Location I watched: National Gallery Singapore

Story from the programme booklet:

It tells the story of a romantic Dutch farmer named Gauke (Gijs Naber) who after losing his farm during the floods of 1953 is determined to never ever have wet socks again. He cycles to the sizzling hot south of Italy to start a new life. Due to his miraculous tulip trade, his passionate love life and his turbulent scuffles with the dubious local business practices, he becomes a living legend – to then suddenly disappear. Thirty years later, an Italian police inspector (Giancarlo Giannini) attempts to unravel the story, but struggles to distinguish fact from fiction. With the help of a young Canadian woman Anna (Ksenia Solo) he discovers what truly happened.

European Union Film Festival came back this year. Last year, when I watched a Dutch film, “Beyond Sleep”, I saw many quite tall people in the audience. This year at the screening of “Tulipani”, I saw many quite tall people in the audience again; I suspect maybe Dutch people. The film features tulips, a bicycle and a legendary Dutchman in Italy---three things praising the Netherlands. The bicycle is actually not related to the story very much. The first scene is set in Canada and the main scenes are set in Italy. For that reason, attending this screening were not only the ambassador of the Netherlands, but also the ambassador of Italy and the High Commissioner of Canada.

The programme booklet says, “he (the police inspector) discovers what truly happened”. However, it is slightly doubtful whether the past events from thirty years ago are true or not. I think that is also the reason why “Tulipani: Love, Honour and a Bicycle” is a charming film

When the film starts, the protagonist, Anna is cycling to see her mother in the hospital in Canada. Before Mother passes away, she asks Anna to bring her ash to her hometown, a village in South Italy. Anna turns her down because doing that is not allowed by law. But Mother replies that if you put it to a container and secretly bring it overseas, nobody will notice that. After her death, Anna finds that Mother has already prepared a cheap plastic container. Although the film begins with the death of Mother, it is already funny.

Anna travels to Italy with the container. In the next scene, she is carried on the back seat of a motorcycle. She is lying her face down and exposing her injured buttock with panties. The motorcycle is running through the deserted brown lands and a small village with stone pavements. In spite of her injury, Anna is happily laughing for some reasons. After Anna is admitted to a hospital for treatment, a police inspector visits her. He says that he came to arrest Anna on suspicion of murder. From here, Anna, the motorcycle driver and his mother (a widow who is her late mother’s friend) start telling the inspector the story of what happened after Anna came to their village nine days ago. They also tell the story of what happened after a Dutchman called Gauke suddenly came to their village thirty years ago, just like the current Anna.

Anna was laughing as she was carried with her injured buttocks exposed in public. That shocking scene grips the audience’s heart from the film’s start. Why is she so happy? Eventually that funny mystery is revealed at the end of their story, but as mentioned before, the story, especially the parts told by the widow, seems to be doubtful or exaggerated. For example, according to the widow, Gauke came to their village after riding a bicycle from the Netherlands to Italy in just five days. If it is true, to come straight to Italy, he must have crossed the mountains in Switzerland or Austria by bicycle... Understandably, the inspector interrupts them when he comes to a point where it is difficult to believe the story. Gradually, however, he becomes attracted by that suspicious story.

There is a story having Gauke as the protagonist thirty years ago. And there is another story about Anna who heard Gauke’s story. However, these two stories are told later as one connected story in front of somebody completely unrelated. This structure is quite effective for this film, I think. It is like an oral tradition. The entire story sounds to be true, but some parts are too unrealistic and fantastic to believe. However, when the story mixed with fantasy is told, that storytelling makes Gauke the legend of the village. After all, in the end, the inspector has chosen to believe the story as Anna had believed before him. For me, this probable and improbable story is funny, touching and enjoyable. In this film, the only disappointing point is Computer Graphics for an explosion scene in a cave. The fire did not look like real fire very much.

After the screening, when the audience left the venue, beautiful live tulips were handed out one by one. The Netherlands Embassy was working very hard to promote their country. (September 18, 2018)

The tulip I brought back home

『映画』The Song of Plastic（Le Chant du Styrene/プラスチックの歌）

「The Song of Plastic（Le Chant du Styrene/プラスチックの歌）」

　 The Art Commission（短編映画特集）より・・・Painting with Light (International Festival of Films on Art)

公開年：　1958年

製作国：　フランス

監督:  Alain Resnais（アラン・レネ）

見た場所：　National Gallery Singapore

　フランスのSociete Pechiney（ペシネー社）が、自社工場で製造されているポリスチレン製品を称揚するために製作を依頼した作品。プラスチックの花園から始まるこの映画は、完成品から原料へと製造工程を逆に辿っていく点がミソである。オーケストラの音楽に合わせて展開する映像は、いかにも往年の短編芸術映画っぽい。素材そのものが持つ意味を伝えるという目的以上に、カメラワークや編集や色や音楽やナレーション、そうしたものの集合による一つの体験として、作品が作られている。あのカラフルで身近なプラスチック製品が、その製造工程を巻き戻して行くと、どんどん大がかりな重化学工業へと変貌していく。あぁ、プラスチックって、石油から作られるんだよなぁ、物からではないんだよなぁ、としみじみ思い出した。その点、教育映画的でもあった。（2017年11月11日）

映画の最初、咲き誇るプラスチック

 

『映画』The Diamond Finger（Niew Petch/ダイヤモンド・フィンガー）

「The Diamond Finger（Niew Petch/ダイヤモンド・フィンガー）」

　 The Art Commission（短編映画特集）より・・・Painting with Light (International Festival of Films on Art)

公開年：　1958年

製作国：　タイ

監督:  R. D. Pestonji

見た場所：　National Gallery Singapore

　こちらはタイ政府の芸術局によって作られた作品。タイの伝統的な仮面舞踊劇Khon（コーン）のパフォーマンスを撮っている。お話は、「ラーマキエン」という「ラーマーヤナ」を元としたタイの叙事詩からのエピソードによる。巨人の国に生まれた小人のNontukは、それゆえにアプサラス（天界のニンフ）達にからかわれ、ハゲるまで髪の毛を抜かれていじめられる。そんなNontukを不憫に思ったシヴァ神が、彼に“ダイヤモンド・フィンガー”、指し示すだけで相手を殺すことのできる魔法の指を与える。この指を得て、アプサラス達を指差ししまくるNontuk。しかし、過ぎた殺戮に対し、ついに美しい女性に化身したヴィシュヌ神が現れる。ヴィシュヌ神は、Nontukがダイヤモンド・フィンガーで彼自身を指し示すように仕向けるのだった。

井戸に映った自分の姿を見つめるNontuk

　舞踊劇をフィルムにおさめているのだが、単に舞台上演を撮影したという類のものではない。映画のために行われたパフォーマンスで、舞台上演的な表現をベースに、映画的な表現も用いられている。きらびやかな衣装にダンサー達の優雅な踊り。例えば、Nontukのダイヤモンド・フィンガーに20、30人からのアプサラス達が打ち倒されて行くシーン。彼女達が次々と画面からはけていくのだが、全員一様ではなく、様々な動きで倒れ去って行く。その極めて流麗で美しい有様が俯瞰撮影で捉えられていて、とても印象的だった。

　この作品、タイ製作だが、英語作品である。物語を説明するナレーションが入っているのだが、それが英語。今回ゲストとして来星したタイ国立フィルム・アーカイブのPutthapong Cheamrattonyuさんによると、それはこの作品が、そもそもタイの文化芸術を海外に宣伝するために作られたからである。1950年代、映画「王様と私」のヒット等によって欧米諸国の関心がタイに向けられるようになった。しかし、そうした海外の作品では、タイの文化が必ずしも正しく描かれているわけではない。そうした状況を受けて作られた作品らしい。こうした努力によって、タイは観光大国になっていったんだなーと思った。

　ところで、この舞踊劇のストーリーだが、破壊の神による破壊の後、その混沌から世界を復する維持の神が現れ、それで世界のバランスが保たれる、ということなのだろう。でも、主人公Nontukのことを考えると、憐れまれてダイヤモンド・フィンガーをもらったのに、使ったら懲らしめられて殺されたという、神様達の都合に踊らされているようで、なんかちょっと釈然としない。（2017年11月11日）

『映画』Raid into Tibet（レイド・イントゥ・チベット）

「Raid into Tibet（レイド・イントゥ・チベット）」

　 The Art Commission（短編映画特集）より・・・Painting with Light (International Festival of Films on Art)

公開年：　1966年

製作国：　イギリス

監督:  Adrian Cowell

見た場所：　National Gallery Singapore

 　この作品は、当時あったイギリスのTV会社ATV（Associated Television）の企画により製作された。チベット動乱そして1959年のダライ・ラマ１４世亡命後の1964年、中国軍と戦うチベット人ゲリラを取材している。監督のAdrian Cowell、カメラマンのChris Menges（クリス・メンゲス）、ジャーナリストのGeorge Patterson（ジョージ・パターソン）は、ネパール中部、ヒマラヤの山々に囲まれたTsum Valley（ツム谷）へ向かう。隔絶されたこの土地には、チベット人ゲリラの分遣隊の拠点がある。彼らの許可を得た監督達は、行を共にしてヒマラヤの峠を巡る。ゲリラ達は、チベットからネパールへ抜ける街道を建設中の中国軍に対し、奇襲作戦を行っているのだ。チベット仏教の祈りに支えられながらチベット独立のために戦うゲリラ達を取材したこの作品は、資料的な価値の高いものだと思う。

 

　しかしそれだけではなく、壮大なヒマラヤ山脈を背景に、人の通わぬ道を歩んで行くゲリラ達を捉えた映像は、驚くほど美しい。モノクロの16mmプリントからレストアされているのだが、この美しさは単にレストア・バージョンだから、と言うにとどまらない。そういう意味でも心に残る作品だった。（2017年11月11日）

 

『映画』The Crown Jewels of Iran（Ganjineha-ye Gohar/イランのクラウン・ジュエル）

「The Crown Jewels of Iran (Ganjineha-ye Gohar/イランのクラウン・ジュエル) 」

　The Art Commission（短編映画特集）より・・・Painting with Light (International Festival of Films on Art)

公開年：　1965年

製作国：　イラン

監督:  Ebrahim Golestan

見た場所：　National Gallery Singapore

　産業界や政府の依頼によって作られた短編４作品を集めている。どれも過去作品なのだが、全てレストアされたバージョンでの上映。事情によりチケットの一般販売が途中からできなくなったため、私はこの映画祭の運営に関わっている知人から直接チケットを買った。そのような事情があったため、ゲストも来ていたのだが、観客が少なくて残念だった。  

写真ではキラキラさ加減は伝わりませんが・・・

　イラン中央銀行の依頼によって作られたこの作品は、過去300年にわたるイラン王朝の宝物を紹介している。これらの宝石は非常に高価なため、イラン通貨の保証として銀行が保管しているのである。レストア・バージョンのこともあり、ビロードのような真っ黒な背景に次々と登場する宝石は、まさに目が眩むような輝きである。非常に手の込んだ美しい品ばかりで、各王朝の勢威が偲ばれる。

　しかし、ただそれだけなら、国の宝をスタイリッシュに紹介した作品に過ぎないのだが、この作品には微妙に批判的な視点が入っている。映画の最初に映されるのは、広大な大地で働く農民達の姿である。国の歴史がこのような名も無き人々によって築かれてきたことを前提とし、この宝石コレクションはその対極として位置づけられているかのようである。（あるいは、本当の宝は彼らなのだと言いたいのかもしれない。）ナレーションでは、コレクションを王達の退廃の歴史としている。微妙に批判的なゆえに、（中央銀行なので）国がスポンサーにも関わらず、この作品は当時の検閲に引っかかった。その際にカットされたナレーションが復活しているのだが、それは、現在の王が最後の王になる、という意味合いことを言っている部分である。皮肉なことに、1979年のイラン革命により、この映画製作当時のシャー（王）、モハンマド・レザー・シャーが最後の王となった。

　映画上映後のQ&Aコーナーに、この作品の監督Ebrahim Golestanについての映画を製作中である、イランの映画監督Mitra Farahaniさんが登場。フレンドリーかつ、ゴージャスな女性だった。（2017年11月9日）

『映画』Manifesto（マニフェスト）

2017年10月21日

「Manifesto（マニフェスト）」・・・Painting with Light (International Festival of Films on Art)

公開年：　2017年

製作国：　ドイツ

監督:  Julian Rosefeldt

主演:  Cate Blanchett（ケイト・ブランシェット）

見た場所：　National Gallery Singapore

　「Manifesto（マニフェスト）」は、元々ビデオ・インスタレーションとして作られた作品を、95分間にまとめたものである。20世紀の様々な思想家や芸術家によるマニフェストから13のモノローグを作り、それをケイト・ブランシェットに語らせる、という趣向である。各モノローグは、それぞれ全く異なる場面で語られ、それに応じてケイト・ブランシェットも全く異なる役柄を演じている。プロローグはボイスオーバーによっているが、他の12の場面では、ケイト・ブランシェットの十三変化（うち一つのシーンで彼女が二役を演じているため）を見ることができる。各場面の概要とケイト・ブランシェットの役柄は以下の通り。

1.  共産党宣言他（プロローグ）

2.  シチュアシオニズム：　廃墟になったビルの屋上に住むホームレスの老人

3.  未来派：　証券取引所の株式仲買人

4.  建築に関するマニフェスト：　ゴミ処理場で働くシングル・マザー

5.   シュプレマティスム／ロシア構成主義：　巨大な研究施設で働く科学者

6.  ダダイスム：　夫（？）の葬式で弔辞を述べる妻（？）

7.   ポップアート：　家族とともに食前の祈りを捧げる裕福な家庭の主婦

8.  Stridentism（ストライデンティズム）／Creationism（クリエイショニズム）：　たまり場で管を巻くパンク

9.  ヴォーティシズム／青騎士／抽象表現主義：　別荘での内輪のパーティでスピーチする会社社長

10. フルクサス／メルツ／パフォーマンスアートに関するマニフェスト：　通し稽古でダメ出しするコリオグラファー

11. シュルレアリスム／空間主義：　自分の作業場で操り人形を準備する人形遣い

12. コンセプチュアル・アート／ミニマリズム：　ニュース番組のアナウンサーとリポーター（二役）

13. 映画に関するマニフェスト（及びエピローグ）：　授業をする小学校教師

これはコリオグラファーのケイトとダンサー達。
またなんだかよくわからないダンスを振り付けている。

　各シーンが何のマニフェストについてなのかは、エンドクレジットにも出るが、ここでは英語版のウィキペディアを参照した。学者でもなければ、どこから引用しているかなど、いちいちわかるものじゃない。ケイト・ブランシェットの役柄の方は、私が見た限り、こういう設定なのではないかという推測も入っている。２のホームレスの老人が歩く廃墟にしろ、３の証券取引所や５の研究施設にしろ、俯瞰撮影を多用した映像は、こんな場所があるのかという美しさ。その一方で、４のシングル・マザーのアパート内や８のいかがわしい人々が集う一室などは、小道具まで気を配った空間作りがされており、これまた感心させられる。ケイト・ブランシェットが語る内容と場とが、合っているような皮肉なようなで、そこがおもしろいところなのだと思う。例えば、小学校教師が子供達に向かって、「オリジナルのものは何もない、盗め」などと言っているのは可笑しい。

　各場面でケイト・ブランシェットは、その職業や身分における典型的な人物を演じており、そのため彼女の芝居は誇張されている感がある。あきらかにパロディのような役柄もあり、１２のアナウンサーなどはいかにもCNNとかで見そうな感じだし、１０のコリオグラファーなどは（映画祭のプログラムには「ロシア人コリオグラファー」とあるが）ちょっとピナ・バウシュのパチモンみたいである。いずれにせよ、彼女が語るのを聞くのは心地よく、例えば６のダダイスムの弔辞など、圧巻だった。

　この作品、まさにケイト・ブランシェットづくしである。１２では、アナウンサーのケイトが、中継先で荒天をリポートするケイトに質問をすると、リポーターのケイトがそれに答える。１１では、人形遣いのケイトが、自分をモデルにした人形に自分とおそろいのような服装をさせる。見終わった後、ケイト・ブランシェットでお腹いっぱい、という気持ちになった。また、漫画「名探偵コナン」の主人公の母親のように、「変装が趣味の女優」というのは、この世に本当にいるんだなぁと思った。

　美しい映像とともにケイト・ブランシェットの十三変化が楽しめるわけだが、一方で見続けるのが辛いというのも確かである。元はマルチ・チャンネルのインスタレーションであったから、好きなだけ見て、自分が満足した時点で立ち去る、ということができただろう。しかし、一本の映画になると、90分間座って見続けるのが前提である。芸術のマニフェストなどというものは、概して抽象的で、血湧き肉踊る物語というわけではない。それを救うためか、場面の並びに工夫を凝らしてはいる。例えば７の食前の祈り（クレス・オルデンバーグの「I am for an art」を唱える）は分割され、別のシーンの合間に何回か登場する。それによって、いつまでも主婦のケイトが「I am for…」とやっているもんだから、家族もなかなか食事ができない、というユーモアが強調されている。でも、それでもね・・・。私の場合、知識はなくとも、20世紀初期の美術史に興味があるのでがんばって見ていられたが、観客の中に眠くなる人がいても仕方ないと思う。映画の最後、画面が12分割されて、12の場面それぞれに登場するケイト・ブランシェットが勢揃いする。一緒に見た知り合いは、その12分割の画面の中に、自分が見た覚えのないケイトがいたと言っていた。・・・それもありだな、と思ったのだった。（2017年11月7日）

人形遣いのケイトと本人そっくりな人形。ちょっと恐い。